Bon, la question est bête et de base, mais je ne fais pas de vrai travail mains séparées à fond et je dois m'y mettre alors je viens vous poser la question:
Le contexte est que vous pouvez jouer les parties mains ensemble mais vous travaillez mains séparées. Dans une séance de travail, je voudrais savoir à quoi ça ressemble : faîtes-vous cette séance seulement mains séparées jusqu'à une certaine maîtrise avant de vous permettre jouer mains ensemble ? Ou alternez-vous entre mains séparées et mains ensemble à chaque fois ? Ou si ça dépend des cas, pouvez-vous me donner un exemple ?
Je travaille beaucoup mains séparées, mais ça dépend de ce que je cherche, ce n'est pas un automatisme ni une règle.
Ça peut être pour résoudre un problème de doigté, de déplacement, de fluidité. Ce n'est pas la peine de travailler des deux mains si le problème ponctuel est juste un déplacement ou un geste d'une main, que j'essaye de bien intégrer.
Mais le plus intéressant dans le travail mains séparées c'est de tenir compte de l'autre main, celle qui ne joue pas! par exemple la question d'indépendance des mains ne peut être résolue si je ne suis pas "mentalement" l'autre main (en chantant à haute voix ou intérieurement); donc là c'est quelque chose de précis qui doit s'enclencher. Souvent je joue une main sonore, et l'autre muette (doigts posés sur la touche sans l'enfoncer), c'est très intéressant, ça ouvre l'écoute, en tout cas ça marche très bien pour moi.
Parfois aussi je joue le morceau entier mains séparées, en cherchant à être précise rythmiquement et très expressive sur absolument chaque note. Ça aussi c'est intéressant parce qu'on entend des choses nouvelles, des relations entre passages distants. C'est toujours une construction. (Il est vrai que mes morceaux ne sont jamais très longs!) Et puis ça me permet de voir quels sont les passages qui restent approximatifs, ou les passages ou une main joue "en contagion" de l'autre, c'est-à-dire sans réelle autonomie (par exemple si une main joue une phrase longue et mélodieuse et l'autre des accords accentués, il y a un risque que la mélodie prenne aussi des "accents" indésirés par contagion avec l'autre main, par transfert d'énergie en quelque sorte, c'est le problème que j'ai sur le morceau que je travaille en ce moment).
C'est un conseil que m'a donné mon prof il y a des années, je lui avais demandé comment faire pour mieux entendre chaque main, chaque ligne; je l'applique toujours
Je travaille peu souvent mains séparées.
Lorsque je le fais, c'est en général pour mémoriser la main gauche parfaitement et dans ce cas je me concentre uniquement sur cette main. La construction d'un morceau repose en général sur la main gauche. La connaître parfaitement permet de solidifier l'ensemble.
Ma main gauche est moins habile que ma main droite et donc je la travaille toute seule si elle joue une partie difficile, rapide.
Je le fais plus rarement à la main droite.
Merci pour cette partage et cette idée de la main gauche importante pour la construction du morceau. Comme j'ai tendance à accélérer ou ralentir quand je ne dois pas c'est peut-être en faisant plus attention à la main gauche et callant le rythme ensuite qui m'aidera.
Ma prof m'a dit qu' avant ses concerts, Horowitz jouait tout avec seulement sa main gauche parce que c'était le plus important.
Oui la main gauche est très importante. C’est elle qui soutient l’édifice.
Il faut travailler mains séparées pour régler toutes les difficulté ainsi que le son.
Et si tu travailles ta main gauche seule Lee, n’oublie pas de compter…
La main gauche doit être suffisamment à l’aise pour ne pas gêner le chant de la droite.
Tu peux aussi jouer la main gauche en chantant la main droite.
Un prof de stage m'a expliqué que le principe de compter à haute et intelligible voix est d'intérioriser la pulsation. Il conseillait d'ailleurs de faire ce travail assez tôt (ne pas attendre d'avoir à corriger des erreurs), et d'alterner plusieurs méthodes: compter à voix très haute en jouant; lire la partition en écoutant intérieurement tout en tapant la mesure; et jouer mezzo forte en tapant des pieds en mesure, ce qui crée une sensation physique (1er temps pied gauche/2e temps pied droit etc.).
Cette dernière méthode permet vraiment d'incorporer physiquement la pulsation. Ça crée un balancement de tout le corps, ce qui se fait en soulevant complètement un pied, puis l'autre. C'est extrêmement difficile à réussir au début (on a l'impression de n'avoir aucune cohérence de mouvement et évidemment ça ne peut pas être beau, ne serait-ce que parce qu'on ne peut pas mettre de pédale) mais ensuite quand ça commence à venir et que l'on peut enfin réorienter l'attention sur l'écoute, le résultat est là, la pulsation est habitée, et on remercie le ciel d'avoir reçu ce conseil (et le professeur qui nous l'a donné, ce qui est le cas pour moi).
C'est une méthode préconisée par un violoncelliste à l'origine, Janos Starker.
(parfois mon compagnon m'entend chanter (faux) au piano, ou me voit taper des pieds, ou des mains, il se demande ce que tout ça a à voir avec le piano! pas grave, je sais que je suis sur le bon chemin!) (il y a eu aussi la période loufoque où j'avais mis un grand carton au dessus du clavier pour ne pas voir mes mains, avec au début un taux de 90% de fausses notes)
Bon, la question est bête et de base, mais je ne fais pas de vrai travail mains séparées à fond et je dois m'y mettre alors je viens vous poser la question:
c'est peut-être en faisant plus attention à la main gauche et callant le rythme ensuite qui m'aidera.